Sesión 26 de Marzo. Códigos deontológicos

A propósito de lo comentado con anterioridad respecto a lo que debe ser un artista, etc... en esta sesión quisimos hablar sobre todos aquellos códigos que se nos escapan en ocasiones como artistas frente a nuestras obras o nuestra forma de actuar en nuestra profesión y frente a nuestro trabajo. Como bien se comentó si las leyes y normas existen es porque con frecuencia o en alguna ocasión se han incumplido. Por tanto no está demás echar un vistazo al decálogo de los códigos deontológicos del artista.

http://www.iac.org.es/wp-content/uploads/2011/05/C%C3%B3digo-deontol%C3%B3gico-del-IAC.pdf

Durante la sesión quisimos ir deteniéndonos en cada una de las normas que el decálogo reúne, sobre todo en las más importantes, por si en alguna ocasión se nos daba una situación que las violase, conocerlas o haber oído algo al respecto.

En primer lugar señalar el derecho a la libertad de expresión, en segundo todos los derechos que tenemos sobre nuestra propia imagen, en tercero la propuesta sobre la relación que se debe mantener entre el artista y el mediador, en cuarto lugar todo lo relacionado con la difusión de la obra, en quinto el contrato por escrito a tenerlo siempre en cuenta (con las condiciones que me interesan porque tienen importancia para mí por las condiciones de mi obra), y finalmente se desgranó también el cumplimiento de los derechos económicos del autor (remuneración y explotación).

Y una vez desglosados estos códigos salió a relucir el tema del Vegap y el Avam. El primero es una organización que todo artista ha de conocer, pues gestiona en España los derechos de autor pero no de forma gratuita. Y Avam también ha de conocerse pues es una asociación de artistas visuales de Madrid.

Sesión 19 de Marzo. Debate: El papel del artista en la sociedad

Como en el debate anterior, nos reunimos todos y en este caso leímos el mismo texto, escrito por Albert Camus, con la idea de a posteriori exponer en común las diferentes ideas captadas en su escrito, por cada uno de los allí presentes.

   Mar y Pablo dirigieron el debate y lanzaron varias preguntas sobre el tema. El debate se abrió con la siguiente, ¿el artista debe renunciar como se dice a sus privilegios? Tras exponer varias opiniones se llegó a la conclusión de que dependiendo del tipo de arte del que estuviéramos hablando.
Otra de las preguntas que allí se lanzaron era si estaban enfrentadas las masas y los artistas, me resultó bastante interesante este punto porque nos dio realmente por reflexionar acerca de ello. Concluyendo la pregunta con una afirmación.

Seguidamente a esto comentamos como resulta discordante que Camus mencione como afirmativo que ahora son malos tiempos para los artistas. Esa afirmación está desfasada. Lleva mucho tiempo sucediendo que los artistas no reciben esa aceptación en la sociedad. Desde hace mucho, vienen siendo malos tiempos para los artistas. Me pareció un debate lo menos curioso, pues realmente te planteas las funciones y la actitud del artista.

Sesión 13 de Marzo. Debate, ¿qué es arte?

En esta sesión cada uno de los allí presentes hicimos una lectura que tenía que ver con el arte, y a posteriori pusimos en común los puntos a destacar, aquellas cosas que nos llamaban la atención de la exposición de cada autor o bien que podían definir el termino arte.

Lo llamativo de mi texto (más adelante facilitaré título y autor) fue lo siguiente:

• Mediante el texto de Martin y su obra se nos cuenta su visión sobre el arte, su forma de trabajo y sobre todo como lo entiende ella.
• Habla de los grandes temas o tópicos que giran en torno al arte, como lo son la belleza, la perfección y la realidad.
• Martin mantiene así que la perfección es algo inmaterial, y que por lo tanto el arte no puede retratarla, sin embargo, alude a ella mediante la negativa, mediante el arte negativo que protesta por la falta de belleza en nuestras vidas.
• Martin también entiende que el arte es el lenguaje o se configura como tal para hablar de lo emocional, intelecto y conciencia por separado.
• En lo referido a la realidad, habla que su forma o medio de expresión es la abstracción pura, mediante ella se ve capaz de expresar la sublimidad inmaterial de la realidad. También nos explica esto porque en su entorno había bastante imposición por lo espiritual, por lo religioso, y porque estaba acostumbrada a vivir en el campo, a los ritmos de la naturaleza.

Tras exponer cada uno de nosotros las diferentes perspectivas sobre el tema en cada texto y debatir llegamos a la conclusión de que el arte es subjetivo, y después tiene periferias en las que no se está de acuerdo o sí. Otra forma de expresar lo que es arte es definir lo que no es arte. Y justamente nosotros nos movemos en esa franja, entre los límites no descritos. También podemos legitimar el arte por sus fines, es una necesidad humana y arte por arte. Distinguimos así, arte decorativo del arte político.

Conferencia Arte-Videojuegos por Lara Corterón

El 20/03/14 contamos en el Salón de Actos con al presencia de Lara Corterón, pues venía a hablarnos sobre arte y videojuegos. Lara Corterón se doctoró en Bellas Artes también en nuestra universidad, en la UCM y sobre el campo del arte y los videojuegos. A propósito de su gran interés por este tema imparte clases en diseño y desarrollo de videojuegos.
Con este contexto, Lara nos fue contando sus gustos frente a los videojuegos, hizo un repaso histórico, poniéndonos en antecedentes sobre los grandes creadores de videojuegos asi como los escritores que nos quisieron hablar del tema, como Roger Caillois, Brian Sutton-Smith...entre otros. Y finalmente se dedicó a explicar las apariciones de los juegos digitales.

Sesión 12 de Marzo. Pautas en el trabajo de investigación

En esta sesión, se nos dieron las pautas imprescindibles a la horar de llevar a cabo un trabajo de investigación sobre cualquier tema. Hay una estructura básica, que cualquier trabajo de investigación tiene que cumplir, a la cual se tiene que ceñir y a través de ella desarrollarse, hablo así del siguiente esquema:

1. Portada
2. Resumen del trabajo
3. Índice
4. Presentación del trabajo
5. Desarrollo del trabajo
6. Conclusiones 
7. Bibliografía

Realmente la parte donde se va a desglosar el trabajo se da en el punto cinco, desarrollo del trabajo, en el cual marcaremos unos objetivos, hablaremos de los antecedentes, metodología y después contaremos como se ha desarrollado nuestro trabajo de campo.

Creo que es una forma de trabajar bastante prática, y realmente hace legible y entendible a otras modalidades y personas agenas a nuestro campo, lo que sería nuestro posible trabajo de investigación.

película: "El arte de estrangular", Terry Zwigoff

Art School Confidential es una película de 2006 dirigida por Terry Zwigoff y basada en el cómic del mismo título escrito por Daniel Clowes.

La película nos narra las dificultades e impresiones que se encuentra un joven al ingresar lleno de aspiraciones e ilusiones en una escuela de arte. El joven protagonista que aspira a ser un gran artista con referentes como Picasso, ve como el reconocimiento que busca, sin criterio alguno se lo lleva otro.

A su vez, por la trama de la película, el chico se ve relacionado con las pinturas de un asesino. De este modo, asumiendo su autoría encuentra la fama a la que tanto aspiraba y logra acceder a ese mundo artístico.

Durante el visionado de la película, anoté varios temas que tienen que ver con la educación y el arte y que a los que nos movemos en este ámbito nos interesa. En primer lugar, la película es un espejo de los prototipos, estereotipos, tópicos y demás mitos que encontramos en los estudios artísticos, y más concretamente en las escuelas de arte. Desde el tipo de alumnos que allí se hallan, las espectativas que llevan al ingresar en estas escuelas, el tipo de profesores que allí encuentran, y como creen que funcionan, a lo que realmente sucede en estos lugares. La narración de la película además, se acerca bastante a la realidad en tanto que nos muestra esa "parafernalia" que engloba al artista, al mundo artístico y como lo asemeja a ese círculo cerrado y casi inaccesible.

Juan Francisco Casas

Juan Francisco Casas es un artista de Jaén cuyo currículum es más que ejemplar. Es muy conocido por sus particulares dibujos a boli bic de carácter hiper realista, basados en fotografías que él mismo toma. Aunque también tiene obra pictórica, de temática similar, lo que le ha hecho verdaderamente reconocible son sus dibujos.

En ellos destaca sobre todo la figura femenina, a escepción de sólo un pequeño número de dibujos donde él mismo se retrata. Tras observar más detenidamente su obra y dejando a un lado la parte técnica, puedo apuntar varios conceptos que capto: instantáneas, simulación, tema sexual, provocación, imágenes construidas.

Mi anotación se refiere sobre todo a lo que me sugiere su obra, y una vez que la analizo, o le dedico un poco más de tiempo a conocerla, como mujer me parece algo ofensiva, pues pienso que en ella siempre la mujer aparece desnuda y relacionándola con lo sexual, y que verdaderamente el artista insiste en ello. No se trata de algo anecdótico y una simple provocación, si no que todo lo que sigue creando sigue esa línea y con cierta fijación.


www.juanfranciscocasas.com

 

 

 

 

Conferencia Jörg Plickat

Durante el día 5 de Marzo pudimos asistir a la conferencia que este escultor, Jörg Plickat nos brindó en la facultad de Bellas Artes del Ces Felipe II.

Este gran artista alemán nos habló de su forma de trabajo, de los diversos proyectos en los cuales se ha sumergido y sobre todo del presente en el cual se da un feedback de trabajo entre él y los estudiantes de bellas artes en la universidad más importante de China. Nos habló de la importancia de la educación artística y sobre todo lo enriquecedor que era estar en contacto con estos alumnos de la escuela. Posteriormente nos enseñó sus numerosas obras, esculturas en hierro, bronce y piedra. Monumentales gran parte de ellas y otras muchas formando proyectos referidos al cambio climático, realmente interesantes, en una época en la que apenas nadie estaba concienciado. También dejó muy claro que lo que interesa con su obra es el diálogo entre las formas, y con la materia. Muchas veces proyecciones de las realidades humanas, las relaciones entre nosotros.

Personalmente, lo encontré muy interesante pues me dio la sensacion de que es un artista que demuestra que cree en lo que hace, y apuesta por ello, ademas de estar en continuo aprendízaje del resto.

Sesión 27 de Febrero

La sesión se plantea desde el punto de vista de la técnica que el artista alemán Joseph Beuys utilizaba. Este defendía que el lenguaje es la primera forma de expresión y que a través del arte se construye todo. 

A Beuys le interesaba la educación, y él la deconstruye, cambiando los roles, dando y recibiendo al mismo tiempo. Por ello, sus clases eran piramidales y los antiguos alumnos enseñaban a los nuevos.

En esta sesión se apuesta por la dinámica de las Conversaciones en Cículo de Beuys, una técnica que fomenta la creatividad y el trabajo colaborativo.

Conversaciones en círculo consiste en exponer varios temas que interesen y tratar de individualmente enlazarlos en primer lugar con aquello que nos sugiera el tema, evitando cuestiones de razonamiento, sino más bien dejándonos llevar. Posteriormente relacionamos los temas con objetos y poco a poco vamos hilando.. lo que realmente nos interesa y lo que supone para nosotros.

Personalmente, encontré este método bastante enriquecedor a la hora de enfocarlo a problemas concretos, en la educación artistica o bien en nuestra propia creación. Pienso que es muy positivo porque ayuda a ser objetivo sobre un tema, a relacionar conceptos para poder desarrollarlos y a adoptar la perspectiva que se quiera sobre el mismo y desarrollarlo obviando todo lo típico y los tópicos, y aludiendo en gran parte a nuestra creatividad, esa que en ocasiones olvidamos.

Sesión 26 de Febrero

Para esta sesión se lanzaba la siguiente pregunta: ¿qué es el artista hoy?

A la cual cada uno de nosotros elaboró su propia propuesta concreta y debatimos los aspectos necesarios.
Por mi parte la propuesta era la siguiente, elaborar una definición, tratando de hacérselo entender a una persona que no supiese de que figura estamos hablando, como si de Marte hubiese venido, y no supiese nada acerca del tema. Y para ello, esta figura de artista, ha de reunir cuatro requisitos explicados en los siguientes cuatro puntos:

1. Señalar si el artista aporta o no aporta algo a la sociedad de su tiempo.
2. Señalar si habla o no de algo que acontece al resto.
3. ¿Hace pleno uso de su libertad de expresión?
4. Cuestionarse si utiliza su medio de expresión de manera destacable.  

Tras esta propuesta personal y poner en común el resto surge la siguiente cuestión, ¿quién legitima en este ámbito, quién dice que un artista es un artista?

Llegamos a la conclusión de que en el arte no existe un colegio de artistas visuales que dictamine, si no que tiene que ser el público en general el que se pronuncie, y en el caso del arte nos encontramos con un público no capacitado para dictaminar qué es arte, y quienes son los artistas. Habría que formar al público para que tuviese cultura visual y poder juzgar.

Además el tema del mercado del arte también confunde, ya que se piensa erróneamente que lo que se vende es lo bueno.

En sí, esta sesión y debate a parte de hacernos cuestionar nuestro papel como artistas y el significado como figura dentro del mundo, denotó la gran carencia de formación en arte que la sociedad de nuestro tiempo tiene.

 

Edward Burtynsky

http://www.edwardburtynsky.com/

Edward Burtynsky (1955, Saint Catharines, Ontario) es un artista canadiense que trabaja la fotografía de forma tradicional, con cámaras de gran formato y además desde una cuestión técnica muy cuidada y estética. Es internacionalmente conocido por el tema que trata en sus fotografías, el paisaje y la industria, la grandiosidad de los escenarios naturales al mismo tiempo que supone la representación de la huella negativa del hombre sobre el paisaje.

Este artista realiza la mayor parte de su trabajo con una cámara de gran formato y placas de 4x5" y la positiva en copias de gran resolución y tamaño. A menudo toma sus fotografías con vistas aéreas para las que consigue situarse en lugares elevados mediante plataformas, helicópteros o aprovechando la propia demografía del lugar.

.Además su obra está incluida dentro de las colecciones de los museos más representativos del mundo, el Moma y el Guggenheim en Nueva York, el National Gallery en Canadá, la Bibliteque National de París, el Ivam en Valencia, y finalmente el Reina Sofía en Madrid.