Sesión 22 de Mayo. La evaluación

Durante esta sesión y sabiendo que el final de curso andaba cerca tratamos el tema de la evaluación, distinguiendo lo que es calificación (nota que se da) y evaluación (algo que se sopesa). La evaluación según comentábamos en cierto modo tiene que ver con lo justo, con la justicia, y cuando nos metemos en estos aspectos resulta algo escabroso.

 

Encontramos importante distinguir entre tipos de evaluación:

-          Cuantitativa: la más fácil en ejecución, ya que es numérica.

-          Cualitativa: su ejecución resulta más complicada, ya que se debe contemplar en relación al resto de trabajos, las cualidades… y en relación al resto de opositores.

Finalmente, se opte por una u otra, siempre tienes que dar una nota cuantitativa. Pero es esencial pensar bien en que lugar está el aprobado y en que punto el suspenso.

Es importante hacer ambas a la hora de hacer una evaluación, así como marcar bien los objetivos. En la sesión se comentaba además, que desde la figura del profesor con experiencia, es básico argumentar esos objetivos, que estén estudiados, pues en la práctica se pueden presentar revisiones de evaluación que pongan en duda todo tu sistema de evaluación, es una forma de poder atenerse a un guión marcado.

Además, dentro de la evaluación, cuantos más enfoques haya mejor. Así como más personas que la realicen y den su juicio, pues de esta manera será más justa.

También desde la voz de la experiencia se apuntaba que en la evaluación cualitativa es preciso ser delicado, porque sin saberlo puedo dañar el ego de la persona que estoy evaluando. A la final estoy tratando con personas como yo, hay que ser consciente de ello.

Sesión 21 de Mayo. Repaso artistas de primera

Lo queramos o no, las sesiones se acaban. Por ello, y para no marcharnos de vacío se encuentra oportuno dar el repaso por una serie de artistas de primera línea, a modo de recordatorio, e intentando refrescar nuestras memorias. Otros por sorpresa, nunca habremos oido hablar de ellos, pero nunca es tarde. Aquí os dejo un pequeño recopilatorio (son sólo algunos escogidos al azar de la interminable lista):

Lucio Fontana

Isamu Noguchi

 Sherrie Levine

 Mariko Mori

 María Núñez

 Jaume Plensa

 Marina Abramovic

Conferencia de Bruno Jamaica y Tomoko Hasuwa

En primer lugar pudimos disfrutar del trabajo de Bruno Jamaica, cuya pretensión es cambiar la concepción y percepción del espacio, a través de líneas y materiales flexibles que simulan la rigidez pero que dejan cambiar la percepción. Su trabajo más contemporáneo es lineal y en ocasiones lo combina con figuras del renacimiento.

http://brunojamaica.com/

A continuación expuso Tomoko Hasuwa su obra, mezcla entre color y línea. Comenta así que le gusta crear sensación de abstracción pero encontrando figuras de vez en cuando en esa abstracción. Además nos cuenta como ha llegado a estar donde está y toda su trayectoria.

Nos enseñó su obra más plástica desde su web http://www.tomokohasuwa.com/#works-2013 y pudimos disfrutar de las siguientes fotografías mediante las cuales nos hacemos una idea de como se configura su obra de una rotundidad pictórica y pintada al óleo.

Sesión 8 de Mayo. Posgrado

Durante esta sesión aprovechamos la voz de la experiencia para escuchar todos los detalles y pequeños trucos o aspectos que nosotros como principiantes no sabremos a la hora de enfrentarnos a elegir una formación u otra en lo referido a un master o a la hora de prepararnos el doctorado.

Lo primero fue necesario distinguir entre master y doctorado. Es algo que parece estar claro y no, la aclaración no dejará lugar a dudas.

- master: puede ser de entidades públicas y privadas, que se unen para dar esta formación o bien puede venir de manos de una universidad. El master en realidad, se utiliza para ser magíster en algo, especializarse en algún aspecto. Pueden estar condensados en uno o dos años, y además para ser titulado magíster es necesario un trabajo fin de master, o también llamado DEA.

El DEA es una especie de tesina, aquí hay que ajustar el trabajo para que en la tesis podamos aprovecharlo. Las cosas así van a ser más fáciles y va a tener coherencia.

-          doctorado: Es parecido, pero no igual. No te especializa en nada. Tiene sentido si quieres ser profesor de universidad o de master, o bien si quieres ser investigador.

Funciona parecido al master, te inscribes y la selección se realiza por currículo. En la sesión y bajo la voz de la experiencia se comenta que actualmente la educación en el doctorado está muy desestructurada, que no se dan apenas metodologías de investigación.

            En el doctorado también hay trabajo fin de doctorado en el segundo año.

En cuanto a diferencias entre master y doctorado, este último lo que hace es que te introduce en un departamento que te interese, pero no eres magíster, no te especializas en algo como en el master.

Sesión 24 de Abril. La unidad didáctica

Como ya acostumbramos a hacer a lo largos de las sesiones anteriores, pretendemos seguir el hilo de lo anteriormente expuesto en estas sesiones. Hablábamos de arte, artista, educación y en último lugar de como enfocaríamos una clase.

Por ese motivo, se encontró básico conocer las pautas básicas para preparar una clase, en este caso el esquema lo implanta la unidad didáctica.

La unidad didáctica es una fórmula o esquema básico que nos ayuda a preparar una clase, no es más que un módulo en el que se va a enseñar algo, por tanto tiene un tema definido y consta de 11 puntos clave:

1. Target. Se trata de buscar el público objetivo al que voy a enseñar el tema elegido. Definir a quien va dirigida la unidad didáctica. Podemos darlo a un grupo heterogéneo también aunque es lo más complicado y hay que señalar que si se tiene un público variado la clase tiene que tener alcance a todos los niveles.
2. Contexto. Hay que definir el lugar donde van a tener lugar las clases.
3. Nombrar. Debemos poner nombre a la unidad didáctica. Tienen que ser títulos descriptivos y también se admiten los dobles títulos.
4. Resumen. Hacer descripción sencilla, de que va a tratar la unidad didáctica. Se trata de presentar de la forma más correcta posible que es lo que vamos a tratar.
5. Objetivos. Enunciar en infinitivo los objetivos que vamso a evaluar después. Cada objetivo que se enuncie tiene que estar después referido en la metodología, evaluación... Enunciar los objetivos es siempre la clave de la unidad didáctica. No hay que confundir los objetivos del profesor con los de los alumnos. También se pueden poner ambos, pero sin entremezclarlos.
6. Contenidos. Definir que contenidos va a tener. Es muy importante definir los contenidos mínimos. En este paso necesitamos saber como va a desarrollarse la unidad didáctica, con que temporalidad y demás... Las clases prácticas podemos meterlas en actividades.
7. Temporalización. Establecer un tiempo a cada contenido.
8. Actividades. No sólo todo el desarrollo ya escrito en los contenidos, sino que si para una cosa u otra van a necesitar visita a biblioteca etc.
9. Metodología: Clase magistral (teórica común), debate, mesa redonda, dejar hacer la clase, metodología de taller, metodología de proyecto (simulación de caso real)...
10. Medios. Medios que se necesitan. Se dividen en fungibles o no fungibles. Los fungibles serían el papel y demás elementos que se agotan y los no fungibles, las sillas, mesas... aquellos que no se agotan.
11. Evaluación. Hay muchos tipos de evaluación. Hay una para el profesor, que tiene que ser libre para que el alumno no se sienta presionado, luego está la evaluación de los alumnos que puede ser de pares, cooperativas, autoevaluaciones...

En esta sesión fue curioso el modus operandi, pues a medida que se explicaban los puntos básicos de la unidad didáctica tratámos de elaborar una supuesta unidad didáctica, con el siguiente resultado:





Target: Grupo hetereogéneo de diferente nivel cultural
 

¿Cómo se hace un comic? Pautas

Mediante esta unidad didáctica se tratará de dar las pautas necesarias para el bocetado, viñeteado del comic y llevar a la práctica nuestra idea en este medio, con personajes principales que se idearán a propósito del mismo.

Objetivos:

- Aprender y comprender los antecedentes del comic.

- Distinguir cuales son los rasgos estilísticos del comic.

- Realizar el bocetado previo de la idea en cuestión atendiendo a los rasgos estilísticos del comic, a modo de storyboard.

- Aprender en que consiste el viñeteado.

- Alcanzar en una primera fase práctica un viñeteado que se adapte a la idea.

- Realizar un guión adecuado a los diálogos que intervendrán en el comic.

- En la fase más avanzada del dibujo, asimilar los conceptos básicos sobre photoshop u otros logrando aplicar una calidad cromática y tonal.

- Conseguir que los dibujos más acabados sean rellenados con ayuda de photoshop u otros lo más profesionalmente posible. 

Contenidos:

Teóricos:

- Antecedentes del comic, referentes y figuras destacadas.

- Rasgos estilísticos del comic.

- El viñeteado en el comic.

- El guión y la narración en el comic.

- Conceptos básicos sobre photoshop.

En la práctica:
1º Rasgos estilísticos del comic con ejemplos visuales. 
2º Se dará un tema sobre el cual empezarán el bocetado según ideas propias de cada asistente
3º Se realizará la revisión de los primeros bocetados y se darán pautas para hacer un correcto viñeteado.
4º A continuación se pedirá que introduzcan el diálogo y la narración de forma bocetada y a posteriori se hablará de las pautas básicas de narración.
5º Se impartirán clases básicas sobre manejo de photoshop y otros, para la parte cromática del comic.
6º Se hará un repaso sobre los referentes o antecedentes y figuras destacadas en el mundo del comic.
7º Visionado en común de los trabajos realizados por los asistentes a propósito del tema.

Temporalización
Total de 7 días, cada clase de 2h.
1ª y 2ª clase--------------------> Rasgos estilísticos del comic + ejemplos visuales
3ª clase--------------------------> Tema sobre el que bocetarán la idea
3ª clase, últimos 30 min-----> Revisión de los primeros bocetos + pautas de un viñeteado correcto
4ª clase--------------------------> Aplicación del libre diálogo y narración + pautas básicas de narración.
5ª y 6ª clase --------------------> Manejo básico de photoshop y otros (parte cromática)
6ª clase, últimos 30 min------> Referentes, antecedentes y figuras destacadas del mundo del comic.
7ª clase--------------------------> Referentes, antecedentes y figuras destacadas del mundo del comic.
7ª clase, últimos 30 min -----> Visionado en común de trabajos realizados por los asistentes.

Actividades
No hay actividades extras programadas

Metodología
- Clase magistral de rasgos estilísticos + visionado de ejemplos visuales.
- Dejar hacer bocetado libre respecto al tema dado.
- Debate sobre los resultados de los primeros bocetos + clase magistral de viñeteado.
- Taller de libre diálogo y narración + clase magistral sobre narración.
- Clase magistral sobre photoshop u otros programas similares.
- Taller sobre photoshop.
- Clase magistral de referentes
- Debate sobre el visionado de trabajos resultantes.

Medios
Fungibles: Papel de dibujo y material de dibujo como lápices, acuarelas, etc. Ordenadores con pack adobe. Proyector + pantalla. Tizas.
No fungibles: Mesas adaptadas al dibujo, sillas, pizarra, caballetes.

Evaluación
Autoevaluación de alumnos y evaluación entre ellos. 

Sesión 9 de Abril. Planteamientos previos, como organizar una clase

Habiéndonos planteado tantas cosas en relación a la educación, como la figura del profesor, el modelo educativo actual... y demás, la sesión de este día se empleó para tratar de desarrollar un tema como posible personal docente. Es decir, quisimos elegir un tema que todos conocíamos bien (qué es Bellas Artes y como debería ser) y desarrollarlo para poder una clase sobre él.

De este modo, elaboramos un esquema sobre el que posteriormente trabajaremos describiéndolo en un libro:

1. Antecedentes, hacer entender que es el término, de donde viene, como surge la enseñanza de BBAA...
2. Por qué se estudia BBAA.
3. Explicar que tipo de saberes se abordan, asignaturas teóricas y prácticas...
4. Hablar de cada materia que damos en estos grandes bloques teórico y practico.

Habiendo esquematizado el tema, nos dividimos los apartados y comenzamos a investigar cada uno de nosotros sobre nuestra parte en cuestión, para finalmente poner toda la información en conjunto y elaborar un buen trabajo sobre el tema.

Resulta curioso estar del otro lado, y hacerse una idea de todo lo que implica querer preparar bien una clase sobre algo, y eso que nosotros tenemos más que asimilado el tema. Uno de los aspectos que se apuntó durante la sesión es que muchos de los recientes docentes tienen un problema frente al tiempo de las clases, cuesta saber controlarlo.

Película "Ser y Tener" de Nicolas Philibert

Al hilo de lo que ya es un tema habitual sobre el que discutimos, debatimos y reflexionamos, el tema de la educación, se propone el visionado de la película "Ser y tener". Un documental francés que muestra otro tipo de educación basada en una escuela de excepción.

Es un centro educativo en el cual se fomenta la escuela unitaria que se da en algunas zonas rurales del norte de Francia. En ella encontramos una educación mixta que reúne a alumnos de diferentes edades (de 4 a 10 años) en un mismo aula y que muestra como de esta peculiar forma, conviven, aprenden y crecen los niños.

En la película, es muy destacable la figura del profesor, un tipo de seria vocación que se presenta como tutor, educador, compañero y amigo de los alumnos. Siendo una persona cercana a ellos y estrechando las distancias entre el rol del docente y el alumno. Es apreciable como el profesor no tiene su propio lugar asignado en el aula, sino que poco a poco y a medida que desempeña su labor se va acercando a los lugares donde se encuentran los alumnos e imparte sus lecciones. A demás personalmente me llama mucho la atención la manera en la que se posiciona frente a sus alumnos, pues rompe las distancias que puedan haber entre alumno y su rol de profesor, mostrándose así ante todo cercano y accesible a los pequeños.

Otro aspecto de importancia en este modelo de escuela es que en la misma clase se reunen alumnos de diferentes edades, y pese a ello hacen posible la educación. Los alumnos se agrupan por edades y los contenidos se imparten en función de su edad, de manera más particular. Pero lo que puede parecer que en alguna ocasión conduce al caos, esta mezcla de niños de diferente edad, en verdad resulta enriquecedor, pues se potencia la convivencia entre ambos, el respeto y muchos otros valores.

De este modo, valorando todos estos aspectos creo que el visionado de la película realmente propone otro tipo de escuela, y resulta enriquecedor pues una vez más nos hace preguntarnos si realmente el modelo que nosotros conocemos es adecuado. Y nos volvemos a reafirmar en que necesita ciertas reformillas.

Sesión 2 de Abril. Niveles educativos

En esta sesión se ha puesto sobre la mesa un tema sobre el que discutir, hablar o simplemente hacernos reflexionar: la educación.

Hablábamos más concretamente de los distintos niveles educativos en nuestro país. Las pautas de acceso para los mismos y lo que comprendían cada uno de ellos. En un principio fue clave remontarnos a los inicios de todo y distinguir educación formal y educación no formal. La formal tiene que ver con los títulos reconocidos y la no formal pueden ser cursos, seminarios.. y educación que incluso lleve muchos años, pero que en cambio no reciba reconocimiento por parte de el ministerio.
Además de estos dos grandes bloques (educación formal y no formal), también existe la educación invisible, aquella que se da en la calle, que encontramos en las exposiciones, en Internet...también hay que tenerla en cuenta, pues todo ello es formación, y por tanto educación.

Con toda esta aclaración anterior sobre la educación nos planteamos si nuestro propio sistema educativo en España estaba bien estructurado y si era adecuado para el niño. Es sabido que en otros países el niño no comienza la escuela a tan temprana edad como en España. Nos preguntamos si realmente eso era positivo o negativo y en cualquier caso también lo relacionamos con la cultura y las costumbres del país en cuestión.

Pienso que es un tema que da que pensar, que reflexionar, y que no viene mal exponer ante otros ya que nos hace cuestionarnos realmente si nuestra formación y la futura para otros es adecuada y como se puede mejorar.

Sesión 26 de Marzo. Códigos deontológicos

A propósito de lo comentado con anterioridad respecto a lo que debe ser un artista, etc... en esta sesión quisimos hablar sobre todos aquellos códigos que se nos escapan en ocasiones como artistas frente a nuestras obras o nuestra forma de actuar en nuestra profesión y frente a nuestro trabajo. Como bien se comentó si las leyes y normas existen es porque con frecuencia o en alguna ocasión se han incumplido. Por tanto no está demás echar un vistazo al decálogo de los códigos deontológicos del artista.

http://www.iac.org.es/wp-content/uploads/2011/05/C%C3%B3digo-deontol%C3%B3gico-del-IAC.pdf

Durante la sesión quisimos ir deteniéndonos en cada una de las normas que el decálogo reúne, sobre todo en las más importantes, por si en alguna ocasión se nos daba una situación que las violase, conocerlas o haber oído algo al respecto.

En primer lugar señalar el derecho a la libertad de expresión, en segundo todos los derechos que tenemos sobre nuestra propia imagen, en tercero la propuesta sobre la relación que se debe mantener entre el artista y el mediador, en cuarto lugar todo lo relacionado con la difusión de la obra, en quinto el contrato por escrito a tenerlo siempre en cuenta (con las condiciones que me interesan porque tienen importancia para mí por las condiciones de mi obra), y finalmente se desgranó también el cumplimiento de los derechos económicos del autor (remuneración y explotación).

Y una vez desglosados estos códigos salió a relucir el tema del Vegap y el Avam. El primero es una organización que todo artista ha de conocer, pues gestiona en España los derechos de autor pero no de forma gratuita. Y Avam también ha de conocerse pues es una asociación de artistas visuales de Madrid.

Sesión 19 de Marzo. Debate: El papel del artista en la sociedad

Como en el debate anterior, nos reunimos todos y en este caso leímos el mismo texto, escrito por Albert Camus, con la idea de a posteriori exponer en común las diferentes ideas captadas en su escrito, por cada uno de los allí presentes.

   Mar y Pablo dirigieron el debate y lanzaron varias preguntas sobre el tema. El debate se abrió con la siguiente, ¿el artista debe renunciar como se dice a sus privilegios? Tras exponer varias opiniones se llegó a la conclusión de que dependiendo del tipo de arte del que estuviéramos hablando.
Otra de las preguntas que allí se lanzaron era si estaban enfrentadas las masas y los artistas, me resultó bastante interesante este punto porque nos dio realmente por reflexionar acerca de ello. Concluyendo la pregunta con una afirmación.

Seguidamente a esto comentamos como resulta discordante que Camus mencione como afirmativo que ahora son malos tiempos para los artistas. Esa afirmación está desfasada. Lleva mucho tiempo sucediendo que los artistas no reciben esa aceptación en la sociedad. Desde hace mucho, vienen siendo malos tiempos para los artistas. Me pareció un debate lo menos curioso, pues realmente te planteas las funciones y la actitud del artista.

Sesión 13 de Marzo. Debate, ¿qué es arte?

En esta sesión cada uno de los allí presentes hicimos una lectura que tenía que ver con el arte, y a posteriori pusimos en común los puntos a destacar, aquellas cosas que nos llamaban la atención de la exposición de cada autor o bien que podían definir el termino arte.

Lo llamativo de mi texto (más adelante facilitaré título y autor) fue lo siguiente:

• Mediante el texto de Martin y su obra se nos cuenta su visión sobre el arte, su forma de trabajo y sobre todo como lo entiende ella.
• Habla de los grandes temas o tópicos que giran en torno al arte, como lo son la belleza, la perfección y la realidad.
• Martin mantiene así que la perfección es algo inmaterial, y que por lo tanto el arte no puede retratarla, sin embargo, alude a ella mediante la negativa, mediante el arte negativo que protesta por la falta de belleza en nuestras vidas.
• Martin también entiende que el arte es el lenguaje o se configura como tal para hablar de lo emocional, intelecto y conciencia por separado.
• En lo referido a la realidad, habla que su forma o medio de expresión es la abstracción pura, mediante ella se ve capaz de expresar la sublimidad inmaterial de la realidad. También nos explica esto porque en su entorno había bastante imposición por lo espiritual, por lo religioso, y porque estaba acostumbrada a vivir en el campo, a los ritmos de la naturaleza.

Tras exponer cada uno de nosotros las diferentes perspectivas sobre el tema en cada texto y debatir llegamos a la conclusión de que el arte es subjetivo, y después tiene periferias en las que no se está de acuerdo o sí. Otra forma de expresar lo que es arte es definir lo que no es arte. Y justamente nosotros nos movemos en esa franja, entre los límites no descritos. También podemos legitimar el arte por sus fines, es una necesidad humana y arte por arte. Distinguimos así, arte decorativo del arte político.

Conferencia Arte-Videojuegos por Lara Corterón

El 20/03/14 contamos en el Salón de Actos con al presencia de Lara Corterón, pues venía a hablarnos sobre arte y videojuegos. Lara Corterón se doctoró en Bellas Artes también en nuestra universidad, en la UCM y sobre el campo del arte y los videojuegos. A propósito de su gran interés por este tema imparte clases en diseño y desarrollo de videojuegos.
Con este contexto, Lara nos fue contando sus gustos frente a los videojuegos, hizo un repaso histórico, poniéndonos en antecedentes sobre los grandes creadores de videojuegos asi como los escritores que nos quisieron hablar del tema, como Roger Caillois, Brian Sutton-Smith...entre otros. Y finalmente se dedicó a explicar las apariciones de los juegos digitales.

Sesión 12 de Marzo. Pautas en el trabajo de investigación

En esta sesión, se nos dieron las pautas imprescindibles a la horar de llevar a cabo un trabajo de investigación sobre cualquier tema. Hay una estructura básica, que cualquier trabajo de investigación tiene que cumplir, a la cual se tiene que ceñir y a través de ella desarrollarse, hablo así del siguiente esquema:

1. Portada
2. Resumen del trabajo
3. Índice
4. Presentación del trabajo
5. Desarrollo del trabajo
6. Conclusiones 
7. Bibliografía

Realmente la parte donde se va a desglosar el trabajo se da en el punto cinco, desarrollo del trabajo, en el cual marcaremos unos objetivos, hablaremos de los antecedentes, metodología y después contaremos como se ha desarrollado nuestro trabajo de campo.

Creo que es una forma de trabajar bastante prática, y realmente hace legible y entendible a otras modalidades y personas agenas a nuestro campo, lo que sería nuestro posible trabajo de investigación.

película: "El arte de estrangular", Terry Zwigoff

Art School Confidential es una película de 2006 dirigida por Terry Zwigoff y basada en el cómic del mismo título escrito por Daniel Clowes.

La película nos narra las dificultades e impresiones que se encuentra un joven al ingresar lleno de aspiraciones e ilusiones en una escuela de arte. El joven protagonista que aspira a ser un gran artista con referentes como Picasso, ve como el reconocimiento que busca, sin criterio alguno se lo lleva otro.

A su vez, por la trama de la película, el chico se ve relacionado con las pinturas de un asesino. De este modo, asumiendo su autoría encuentra la fama a la que tanto aspiraba y logra acceder a ese mundo artístico.

Durante el visionado de la película, anoté varios temas que tienen que ver con la educación y el arte y que a los que nos movemos en este ámbito nos interesa. En primer lugar, la película es un espejo de los prototipos, estereotipos, tópicos y demás mitos que encontramos en los estudios artísticos, y más concretamente en las escuelas de arte. Desde el tipo de alumnos que allí se hallan, las espectativas que llevan al ingresar en estas escuelas, el tipo de profesores que allí encuentran, y como creen que funcionan, a lo que realmente sucede en estos lugares. La narración de la película además, se acerca bastante a la realidad en tanto que nos muestra esa "parafernalia" que engloba al artista, al mundo artístico y como lo asemeja a ese círculo cerrado y casi inaccesible.

Juan Francisco Casas

Juan Francisco Casas es un artista de Jaén cuyo currículum es más que ejemplar. Es muy conocido por sus particulares dibujos a boli bic de carácter hiper realista, basados en fotografías que él mismo toma. Aunque también tiene obra pictórica, de temática similar, lo que le ha hecho verdaderamente reconocible son sus dibujos.

En ellos destaca sobre todo la figura femenina, a escepción de sólo un pequeño número de dibujos donde él mismo se retrata. Tras observar más detenidamente su obra y dejando a un lado la parte técnica, puedo apuntar varios conceptos que capto: instantáneas, simulación, tema sexual, provocación, imágenes construidas.

Mi anotación se refiere sobre todo a lo que me sugiere su obra, y una vez que la analizo, o le dedico un poco más de tiempo a conocerla, como mujer me parece algo ofensiva, pues pienso que en ella siempre la mujer aparece desnuda y relacionándola con lo sexual, y que verdaderamente el artista insiste en ello. No se trata de algo anecdótico y una simple provocación, si no que todo lo que sigue creando sigue esa línea y con cierta fijación.


www.juanfranciscocasas.com

 

 

 

 

Conferencia Jörg Plickat

Durante el día 5 de Marzo pudimos asistir a la conferencia que este escultor, Jörg Plickat nos brindó en la facultad de Bellas Artes del Ces Felipe II.

Este gran artista alemán nos habló de su forma de trabajo, de los diversos proyectos en los cuales se ha sumergido y sobre todo del presente en el cual se da un feedback de trabajo entre él y los estudiantes de bellas artes en la universidad más importante de China. Nos habló de la importancia de la educación artística y sobre todo lo enriquecedor que era estar en contacto con estos alumnos de la escuela. Posteriormente nos enseñó sus numerosas obras, esculturas en hierro, bronce y piedra. Monumentales gran parte de ellas y otras muchas formando proyectos referidos al cambio climático, realmente interesantes, en una época en la que apenas nadie estaba concienciado. También dejó muy claro que lo que interesa con su obra es el diálogo entre las formas, y con la materia. Muchas veces proyecciones de las realidades humanas, las relaciones entre nosotros.

Personalmente, lo encontré muy interesante pues me dio la sensacion de que es un artista que demuestra que cree en lo que hace, y apuesta por ello, ademas de estar en continuo aprendízaje del resto.

Sesión 27 de Febrero

La sesión se plantea desde el punto de vista de la técnica que el artista alemán Joseph Beuys utilizaba. Este defendía que el lenguaje es la primera forma de expresión y que a través del arte se construye todo. 

A Beuys le interesaba la educación, y él la deconstruye, cambiando los roles, dando y recibiendo al mismo tiempo. Por ello, sus clases eran piramidales y los antiguos alumnos enseñaban a los nuevos.

En esta sesión se apuesta por la dinámica de las Conversaciones en Cículo de Beuys, una técnica que fomenta la creatividad y el trabajo colaborativo.

Conversaciones en círculo consiste en exponer varios temas que interesen y tratar de individualmente enlazarlos en primer lugar con aquello que nos sugiera el tema, evitando cuestiones de razonamiento, sino más bien dejándonos llevar. Posteriormente relacionamos los temas con objetos y poco a poco vamos hilando.. lo que realmente nos interesa y lo que supone para nosotros.

Personalmente, encontré este método bastante enriquecedor a la hora de enfocarlo a problemas concretos, en la educación artistica o bien en nuestra propia creación. Pienso que es muy positivo porque ayuda a ser objetivo sobre un tema, a relacionar conceptos para poder desarrollarlos y a adoptar la perspectiva que se quiera sobre el mismo y desarrollarlo obviando todo lo típico y los tópicos, y aludiendo en gran parte a nuestra creatividad, esa que en ocasiones olvidamos.

Sesión 26 de Febrero

Para esta sesión se lanzaba la siguiente pregunta: ¿qué es el artista hoy?

A la cual cada uno de nosotros elaboró su propia propuesta concreta y debatimos los aspectos necesarios.
Por mi parte la propuesta era la siguiente, elaborar una definición, tratando de hacérselo entender a una persona que no supiese de que figura estamos hablando, como si de Marte hubiese venido, y no supiese nada acerca del tema. Y para ello, esta figura de artista, ha de reunir cuatro requisitos explicados en los siguientes cuatro puntos:

1. Señalar si el artista aporta o no aporta algo a la sociedad de su tiempo.
2. Señalar si habla o no de algo que acontece al resto.
3. ¿Hace pleno uso de su libertad de expresión?
4. Cuestionarse si utiliza su medio de expresión de manera destacable.  

Tras esta propuesta personal y poner en común el resto surge la siguiente cuestión, ¿quién legitima en este ámbito, quién dice que un artista es un artista?

Llegamos a la conclusión de que en el arte no existe un colegio de artistas visuales que dictamine, si no que tiene que ser el público en general el que se pronuncie, y en el caso del arte nos encontramos con un público no capacitado para dictaminar qué es arte, y quienes son los artistas. Habría que formar al público para que tuviese cultura visual y poder juzgar.

Además el tema del mercado del arte también confunde, ya que se piensa erróneamente que lo que se vende es lo bueno.

En sí, esta sesión y debate a parte de hacernos cuestionar nuestro papel como artistas y el significado como figura dentro del mundo, denotó la gran carencia de formación en arte que la sociedad de nuestro tiempo tiene.

 

Edward Burtynsky

http://www.edwardburtynsky.com/

Edward Burtynsky (1955, Saint Catharines, Ontario) es un artista canadiense que trabaja la fotografía de forma tradicional, con cámaras de gran formato y además desde una cuestión técnica muy cuidada y estética. Es internacionalmente conocido por el tema que trata en sus fotografías, el paisaje y la industria, la grandiosidad de los escenarios naturales al mismo tiempo que supone la representación de la huella negativa del hombre sobre el paisaje.

Este artista realiza la mayor parte de su trabajo con una cámara de gran formato y placas de 4x5" y la positiva en copias de gran resolución y tamaño. A menudo toma sus fotografías con vistas aéreas para las que consigue situarse en lugares elevados mediante plataformas, helicópteros o aprovechando la propia demografía del lugar.

.Además su obra está incluida dentro de las colecciones de los museos más representativos del mundo, el Moma y el Guggenheim en Nueva York, el National Gallery en Canadá, la Bibliteque National de París, el Ivam en Valencia, y finalmente el Reina Sofía en Madrid.

Bleda y Rosa

Campos de Batalla, España, Bleda y Rosa

La representación del territorio y la idea de viaje son elementos constantes en su trabajo. Centrándose en la Península Ibérica como marco geográfico, social y político. Representan el acontecimeinto y el tiempo histórico.

http://www.bledayrosa.com/

Estos dos fotógrafos contemporáneos y españoles trabajan el paisaje desde la perspectiva de la huella, la memoria y el poso del tiempo. Jose María Rosa y María Bleda han construido varias series fotográficas en las que tratan la historia latente que habita en los espacios. Mediante la fotografía ambos relacionan naturaleza y cultura.

Sesiones 19 y 20 de Febrero

Para iniciar la asignatura comenzamos poniendo dos temas principales sobre la mesa, la justicia y el artista.

Para comenzar tratamos de definir las cualidades que debía de tener un individuo. Y según conclusiones debía de ser social, empático, justo, trabajador, constante, y creativo, entre otras muchas. Al intentar enumerar las cualidades que debían de estar presentes en esta personalidad, relacionamos al supuesto ideal de individuo con nuestro contexto, la universidad, supuestamente el lugar donde se genera pensamiento crítico. Y surgieron tres cualidades ya mencionadas que no se potencian desde la formación universitaria: motivación, empatía y justicia.

Just Madrid 2013.
Obra de Teresa Carneiro

Concretando aún más en el tema de la justicia, nos planteamos que era la justicia y que es actuar de manera justa o no. Para responder a lo anterior sería necesario saber definir que es lo bueno y que es lo malo, y contextualizar. Y una vez más volvimos a relacionar conceptos con nuestro contexto. Y surgió la siguiente pregunta ¿qué es el artista, y quien dice que un artista es un artista? A lo que cada uno de nosotros tratamos de definirlo. Buena pregunta para los tiempos que corren. Buena pregunta para empezar a hacer reflexiones.